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En el siglo XVII, Lope de Vega, tuvo la genialidad de acertar con una fórmula teatral de éxito seguida por todos los autores a partir de entonces. Se le llamó la COMEDIA NUEVA para distinguirse de la obra teatral clásica. Esta comedia combinaba la calidad literaria con la capacidad de atraer al público, objetivo que logró como nadie.
1- Los corrales de comediasA external image Cortetransversaldeltabladodeuncorral.jpgfines del XVI aparecen una serie de lugares para la representación conocidos como corrales de comedias, ligados a las grandes urbes. Así, en Madrid aparece el 1º corral de comedias en 1574, destacan allí los corrales del Príncipe y de la Cruz, pero también pueden citarse otros y no sólo en Madrid: el de doña Elvira, el de San Pedro y de la Montería en Sevilla; la casa de comedias de la Olivera, en Valencia; la casa de comedias de Oviedo , la de Badajoz, La de Pamplona, la de Córdoba; el teatro de puerta Real de Granada, el corral de Alcalá de Henares, el de Almagro y el patio de comedias de Guadalajara.En principio son las cofradías, encargadas de ejercer la caridad pública y que regentaban los hospitales, las que reciben la autorización para disponer de un local en el que se representen comedias y se obtengan ingresos para fines caritativos.Estas administran directamente las compañías teatrales por una cierta cantidad por día de representación, pero posteriormente aparece la figura del arrendatario. Ahora serán los Ayuntamientos los que se harán cargo de los corrales, aunque en algunas ciudades –como Valencia- se mantenga la fórmula inicial durante mucho tiempo.Los corrales de comedias son patios al aire libre entre varias casas. Un ejemplo clásico sería el teatro del Príncipe de Madrid. Al fondo se hallaba el escenario, un tablado sin telón ni decorados. El tablado tenía detrás un edifico de madera de cuatro plantas, adosado a la pared del fondo del corral, denominado vestuario. La primera planta, también llamada vestuario, se utilizaba para representar escenas en ambientes diferentes, la segunda era el primer corredor; la tercera, el segundo corredor; y la cuarta, el desván de los tornos, empleado para las maquinarias que movían la tramoya. El lado opuesto al escenario también presentaba cuatro plantas: en la planta baja estaban la entrada y los aposentos alojeros; las otras plantas se distribuían así: la primera estaba ocupada por la cazuela; la segunda contenía el balcón de los concejales del ayuntamiento de Madrid y siete aposentos y en la planta alta se encontraba la tertulia.Por su parte los edificios laterales tenían tres pisos, además de la planta baja:La planta baja de los edificios laterales se encontraba detrás de las gradas.En el primer piso se hallaban las ventanas con rejas; en el segundo, los aposentos: habitaciones de las casas vecinas que tenían un balcón al corral; y en el último piso, los desvanes que eran pequeños aposentos. Los nobles se situaban en los aposentos, balcones y ventanas de las casas que cerraban el patio y en el patio a excepción de algunos bancos y gradas asistía a pie la mayoría del público.
2- La representación teatralLas representaciones comenzaban a las dos en invierno y a las tres en verano. Duraban varias horas y se desarrollaban con arreglo al siguiente orden. El programa solía comenzar: con la loa introductoria (para congraciarse con el público o para realizar un breve resumen de la comedia) que suele terminar con un baile; a continuación se representan las diversas jornadas y entre ellas farsas breves llamadas entremeses, sainetes, jácaras o si los personajes llevan máscaras de animales, mojigangas.Los entremeses eran piezas jocosas de un solo acto. En algunos predomina la acción burlesca o los asuntos eróticos; en otros, la presencia de personajes extravagantes.Las mojigangas: consistían en danzas descompuestas y movimientos ridículos con disfraces de animales en un barullo estrepitoso.Las jácaras. Eran romances cantados, que generalmente versaban sobre luchas entre rufianes y hamponesDespués de la última jornada, solía haber un fin de fiesta que terminaba con un baile. Es un espectáculo continúo pero variado que no deja huecos para evitar que el público se aburra y provoque altercados.En cuanto a la puesta en escena: En un principio no cuenta con muchos recursos, carece de decorados, son los actores los encargados de detallar la escenografía.La proximidad del público en los corrales afectaba a la técnica empleada por los actores. La pertinencia a un estrato social bajo se indicaba con el sayagués, habla rústica que se oponía al lenguaje afectadamente culto. Algunos gestos y movimientos de las acotaciones estaban implícitos en los diálogos existían diversos gestos convencionales para expresar distintos sentimientos.Al ser el disfraz de los personajes un elemento esencial de la comedia el cambio del lenguaje será consecuente con el vestido. Así la dama disfrazada de campesina tenía que hablar con lenguaje rústico. Por otro lado la palabra suple parte de la acción que no se desarrolla sobre la escena, de la misma manera suplirá elementos escénicos como decorado, el vestuario, etc.El decoro dramático obligaba a la adecuación de la conducta y del lenguaje de los personajes a las convenciones del papel social que presentaban. Este decoro se relacionaba con la verosimilitud, que va a depender del tipo de obra; por ejemplo, los milagros y los fenómenos sobrenaturales son frecuentes en la comedias hagiográficas pero inamisibles en las comedias de capa y espada, pese a que en éstas si aparezcan casualidades sorprendentes.El vestuario constituía lo más preciado de los actores. Éste llegó a convertirse en una especie de decorado ambulante: servía para situar el lugar y el tiempo de la acción, además de cumplir otras variadas funciones escénicas. Por ejemplo un sombrero y un gabán cubiertos de algodón que parecía nieve indicaban el invierno; o un vestido de noche (normalmente una capa de color) informaba a los espectadores del momento del día.external image aque_o_de_piojos_y_actores_pedro_saez.jpg
El traje. Aportaba al espectador una serie de indicios sobre la caracterización del personaje. Cuando un actor salía a escena se reconocía a que estamento pertenecía. El traje marcaba también el tiempo en el que trascurría la acción mediante el vestido de día o de noche para indicar además el espacio donde se desarrollaba la acción como el traje de camino. Lo más importante era el disfraz. El recurso más repetido era el cambio de vestido de dama o labradora para apoyar una serie de equívocos que terminaran con la vuelta a su condición. Otro de los signos era el maquillaje (mediante la barba se adquiere gravedad, el pelo enmarañado como síntoma de locura)Por su carácter convencional, el vestuario debía comunicar rápidamente al público la condición social del personaje ( noble o campesino, soldado o rico, pobre o rico, rey o soldado). La vestimenta de los personajes sobrenaturales también era convencional. Los ángeles con traje de blanco y capa; los demonios de negro. El gracioso salía vestido de manera que provocara la risa en los espectadores y se diferenciaba claramente de los demás personajes.La escenografía pese a que al principio era pobre tenía algunos elementos. Las cortinas permitían las entradas y salidas de los personajes; también servían para que un personaje se ocultase de otros, como puertas para cambiar el lugar de la acción, para los apartes, etcétera.Era habitual que el decorado se completara con loas palabras de los personajes (decorado verbal), éstas incluían tanto menciones expresas a aspectos del decorado como descripciones de aquellos elementos y circunstancias que no aparecían ante los espectadores.La música servía para acentuar la acción e indicaba cambios de lugar o se encargaba de anunciar las entradas o salidas de los personajes. Los músicos eran los primeros que aparecían en el tablado y también los que servían de colofón de la representación. Actuaban en entremeses, bailes y otras piezas cortas, y los instrumentos preferidos para acompañar a los solistas y a los coros eran las vihuelas o las guitarras.Una obra duraba poco en cartel: era frecuente la representación única y ocho o diez días de permanencia era un gran éxito. El público pedía novedades sin cesar, de ahí la abundancia de nuestros dramaturgos y la extensa producción de muchos de ellos con el prolífico Lope a la cabeza.El público. Es el teatro un espectáculo de masas. Esta transformación es posible porque abarca todos los estamentos sociales desde el más alto (el rey) hasta el pueblo llano. Si se analiza la estructura del corral de comedias con los precios de las localidades encontramos un reflejo de las capas sociales que asistían al teatro: La entrada más barata era la de a pie en el patio, lo que demostraba que el teatro era un hecho cultural asequible a todos incluso a los más humildes.Por otra parte el interés del Estado por mantener el espectáculo como propagador de una ideología determinada (la que sostiene la monarquía absoluta y la contrarreforma) se patentiza en el hecho de que en el transcurso de los años suben las localidades más caras no las más baratas que se mantienen invariables.El público era temido por los autores y poetas, porque era capaz de hacer fracasar una representación “vulgo fiero” Este público impone sus condiciones, sus gustos y el poeta los lleva al estreno.La entrada de la cazuela estaba prohibida para los hombres como su comunicación con el patio. Las entradas superiores eran los bancos gradas que incluían asientos fijos y estaban a cubierto. El banco y la grada suponían una pequeña distinción dentro del patio y eran ocupados por artesanos y comerciantes.Clases medias: Frente al vulgo fiero del patio estaban las localidades para los doctos: público más culto compuesto de curas, estudiantes, poetas. Es el público capaz de entender las referencias mitológicas y clásicas que los poetas incluían en sus obras para agradarles. Estas localidades se encontraban en la parte alta del corral, en unos aposentos o desvanes que se conocían como tertulia, porque los doctos solían allí comentar la obra.
3- CaracterísticasEn 1609 Lope compuso su Arte nuevo de hacer comedias, breve e irónica obra en la pretende explicar su concepción teatral y defenderse de los que le critican por apartarse de los modelos clásicos. A lo largo de su tratado va mostrando las características que tienen las obras que escribe:
  • Número de actos: Divide la comedia en tres actos (unos tres mil versos) y los llama jornadas.(El teatro clásico tenía cinco actos).
  • Propone la mezcla de lo trágico y lo cómico. La comedia ha de representar la variedad, igual que la vida. Esto implica que en una misma obra pueden aparecer personajes nobles y plebeyos, reyes y campesinos... Se mezclan los estratos sociales, aunque se guarda el decoro en la forma de hablar, comportarse, vestirse... El gracioso (papel interpretado por el criado del galán) aparece incluso en las obras más trágicas o más graves.
  • El teatro clásico proponía el respeto de las tres unidades -acción, tiempo y lugar-. La obra debía tener una única acción y desarrollarse en un mismo lugar y durante una jornada. Lope acepta, aunque no la observe en sus comedias, la unidad de acción; sin embargo, por razones de verosimilitud, cree innecesario guardar las de tiempo y espacio.
  • Las obras teatrales se escriben en verso. El escritor utiliza diferentes tipos de estrofas según las situaciones. (polimetría)
  • El gusto: Lope admite que las reglas del teatro clásico están bien, pero cada época es distinta y los gustos del público varían. Así que hay que adaptarse a ellos, puesto que el público es el que paga. El fin de la comedia es provocar el disfrute del público.

CDL10898.jpg4- Géneros y temasYa hemos dicho que las obras que se escriben en el siglo XVII siguiendo la fórmula de Lope se les llamó genéricamente comedias, aunque este nombre no se corresponde con el concepto clásico de comedia. De hecho, muchas de las obras que se escriben en el barroco son tragicomedias o dramas: tienen elementos trágicos mezclados con contrapuntos cómicos y pueden tener un final feliz o desdichado.
COMEDIAS: mezclan personajes elevados y bajos y tienen un final feliz.TRAGICOMEDIAS O DRAMAS: mezclan personajes elevados y bajos, situaciones trágicas y cómicas y pueden acabar bien o mal.
Los temas preferidos del teatro barroco son:
  • . EL HONOR Y LA HONRA: Ambas cosas se sustentan en la opinión que los demás tienen de uno mismo, en su buen nombre personal o familiar. Si se pierde el honor, lo justo es recuperarlo con venganza y sangre si es necesario. El honor suele estar ligado a la mujer y los encargados de limpiar las manchas de honor son los hombres. Por eso es tan frecuente en la comedia la mujer vestida de hombre que se traviste para recuperar o vengar la deshonra. Si una doncella perdía su honor, el código de la comedia sólo ofrecía dos soluciones: el matrimonio o la muerte del seductor. La vida real era otra cosa. Afortunadamente.
  • . EL AMOR: La conquista de una dama por el galán (o a la inversa) es el eje temático de numerosas comedias: El perro del hortelano de Lope, por ejemplo.
También se escriben muchas comedias de capa y espada o enredo que desarrollan argumentos de intriga y enredo: El perro del hortelano de Lope.Comedias históricas y legendarias: Fuenteovejuna.Comedias de aparato: tienen una puesta en escena complicada y necesitan ser representadas en un teatro de corte. Suelen acompañarse de canto y baile: Ni amor se libra de amor de Calderón.Dramas filosóficos y religiosos, que tratan temas como el destino, la libertad del individuo, el poder divino...: La vida es sueño.Dramas de honor en los que se plantea un problema de honra: El médico de su honra de Calderón.Autos sacramentales: representaciones espectaculares que tienen como tema un asunto de fe.
5- PersonajesLos personajes más habituales en la comedia del Siglo de Oro son personajes-tipo que se repiten una y otra vez:
  • EL REY, si es joven, es un galán soberbio y a veces injusto; si es viejo, es prudente y necesario para restablecer la justicia.
  • EL GALÁN reúne todas las virtudes; juventud, generosidad, paciencia. Los sentimientos que le mueven son: amor, celos y honra.
  • EL ANTAGONISTA, suele ser un noble que abusa de su poder, es tirano y malvado. Su papel en la comedia es negativo. Sólo puede castigarle el rey.
  • LA DAMA, complemento femenino del galán, es noble, idealista, audaz y constante. Salvo raras excepciones (El perro del hortelano), los personajes femeninos responden a la pasividad social que tenían en su tiempo. Es muy habitual el personaje de la mujer que se disfraza de hombre para realizar acciones masculinas como la defensa de su honra. Esta mujer varonil suele crear situaciones de enredo muy del gusto de la época.
  • EL PADRE DE LA DAMA (el barba). Es un hombre ejemplar que defiende el honor.
  • EL GRACIOSO o DONAIRE es el tipo por antonomasia de la comedia española, suele ser el criado del galán, pero también su consejero y amigo y su contrapunto en el carácter. Es ingenioso, cobarde, ama el dinero, los placeres y la comida. Suele emparejarse con la criada de la dama. Sus intervenciones rompen la tensión y el dramatismo.
  • LA CRIADA es la confidente y acompañante de la dama que desempeña una especie de papel de gracioso en mujer.

6- AutoresFélix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 1562-1635) representa con su vida las contradicciones del Barroco: agitada vida amorosa, destierros, fervor religioso al ordenarse sacerdote a los 51 años.Entre sus obras teatrales destacamos aquí Fuenteovejuna, una de las más populares. La obra trata del conflicto entre el Comendador del pueblo de Fuenteovejuna y sus habitantes. Debido a los continuos abusos a las mujeres, aquél es ejecutado. Cuando la autoridad acude a buscar a los culpables, todo el pueblo se responsabiliza de lo ocurrido y después obtiene el perdón real, con lo que se reconoce la defensa de la dignidad y libertad del campesino frente a la tiranía y opresión de la autoridad.

Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) es otro de los autores clave en la escena teatral del siglo XVII. Igual que Lope se ordenó sacerdote a su madurez, aunque siguió dedicado de lleno al teatro.
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VÍDEO SOBRE LOS CORRALES DE COMEDIAS